Rzeźba barokowa: Bernini, kluczowe cechy i sposób, w jaki działa dzisiaj zlecenie

Stań przed Apollo i Daphne Gian Lorenzo Berniniego w rzymskiej Galerii Borghese, a urok barokowej rzeźby stanie się oczywisty w ciągu kilku sekund: mitologiczny pościg zamrożony dokładnie w chwili, gdy palce Daphne rozciągają się w liście laurowe, jej palce u nóg zapuszczają korzenie, a usta otwierają się w krzyku, który marmur w jakiś sposób czyni słyszalnym. Jest to styl, który dominował w Europie od początku XVII wieku do połowy XVIII wieku. Odrzucił spokój, wyidealizowany bezruch na rzecz najbardziej dramatycznego momentu, jaki może zaoferować opowieść, wyrzeźbionego tak, aby światło, cień i własne kroki widza dopełniały kompozycję.

Mówiąc prościej, rzeźba barokowa to rzeźba zaprojektowana z myślą o ruchu, emocjach i spektaklu. Zrozumienie, w jaki sposób osiągnięto te efekty, zarówno pod względem technicznym, jak i artystycznym, ma znaczenie dla każdego, kto dzisiaj zamawia fontanny, figury kościelne, anioły lub rzeźby ogrodowe, ponieważ te same problemy konstrukcyjne, które rozwiązał Bernini, wciąż muszą rozwiązać każdy warsztat.

Co czyni rzeźbę barokową?

Postacie renesansu zwykle są zwrócone w twoją stronę, zrównoważone i opanowane. Barokowe postacie skręcają się, rzucają i sięgają poza własne krawędzie. Pięć cech powtarza się w warsztatach z tamtej epoki:

• Kompozycje ukośne i spiralne. Ciała zbudowane są na przekątnych, a nie na osiach pionowych, więc oko wędruje w górę lub okrąża formę. Dawid Berniniego (1623–1624) to zwinięta sprężyna ze wzmocnionymi stopami i zranionym tułowiem, w niczym nie przypominająca osiadłego bohatera Michała Anioła.
• Decydujący moment. Rzeźbiarze wybrali szczyt akcji: ugryzienie palców Plutona w udo Prozerpiny (1621–1622), ekstazę świętego, uderzenie fali.
• Draperia jako silnik. Tkanina jest rzucana, ubijana i głęboko podcinana, dzięki czemu łapie światło i sugeruje wiatr i prędkość. Wiertarka Giuliano Finelliego na Apollo i Daphne pozwoliła uzyskać włosy tak delikatne, że wyglądały na rozczesane.
• Wiele punktów widzenia. Planowano obejść prace, odkrywając nowe kąty; żadna nie jest pojedynczą fasadą.
• Fuzja sztuk. Rzeźba, architektura, malarstwo, światło i woda zostały połączone w jedną sceniczną całość, najsłynniej w kaplicy Cornaro, gdzie marmurowi święci siedzą w rzeźbionych lożach operowych pod ukrytym źródłem światła.

Każda cecha ma swój koszt techniczny. Spiralne pozy odpychają środek ciężkości od podstawy, głębokie podcięcia powodują naprężenie kamienia, a unoszące się w powietrzu draperie muszą być idealnie wymodelowane, zanim dłuto zacznie ciąć. Dlatego pracownie tamtej epoki pracowały na małych glinianych szkicach zwanych bozzetti i powiększały je dopiero po rozwiązaniu kwestii dynamiki, a przepływ pracy przetrwał prawie niezmieniony do dziś.

Nowoczesne odlewnie nadal podejmują się tych dynamicznych grup mitologicznych. Rzeźba centaura i anioła z brązu niesie tę samą niezrównoważoną, sięgającą w górę energię, rozdzieloną raczej przez wewnętrzną armaturę niż przez szczęście:

Brązowa rzeźba centaura i anioła Ta brązowa para muskularnego centaura i figlarnego skrzydlatego cheruba, mająca 1,8 m wysokości i pokryta niebiesko-zieloną patyną, nawiązuje do niezrównoważonej, wznoszącej się w górę energii dynamicznych grup mitologicznych Berniniego. Zobacz produkt →

Bernini i rzymski barok

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) zdefiniował styl tak, jak kompozytor definiuje szkołę. Zanim skończył trzydzieści lat, wyrzeźbił grupy Plutona, Prozerpiny, Apolla i Daphne dla kardynała Scipione Borghese, a ich powierzchowny realizm wciąż nie daje spokoju zwiedzającym: kamienne ciało wgniata się pod uściskiem, marmurowa lina napina się. Tradycyjnie na jego Dawidzie widnieje grymas rzeźbiarza, nad którym pracował Maffeo Barberini trzymając lustro.

Jego dojrzałe dzieła popchnęły dalej fuzję sztuk. Ekstaza św. Teresy w kaplicy Cornaro inscenizuje swoje światło z ukrytego okna za złoconymi promieniami. Święty Longinus w Bazylice Świętego Piotra (ukończony w 1638 r.) zamienia przemianę żołnierza w obracającą się kompozycję przeznaczoną do czytania podczas spaceru. Fontanna Czterech Rzek na Piazza Navona (1651) umieściła kolosalnych bogów rzek na trawertynowej skale pod obeliskiem, a woda ożywiała cały zespół.

Rzym nigdy nie był jednoosobowym widowiskiem. Santa Cecilia (1600) Stefano Maderno otworzyła stulecie zniewalającym, skłonnym do naturalizmu. Święta Weronika Francjasco Mochiego (ukończona w 1639 r.) wywołała wichurę, której nikt nie dorównywał od dziesięcioleci. Alessandro Algardi zaproponował powściągliwą, klasycyzującą alternatywę, cenioną przez papieskich patronów, podczas gdy Francois Duquesnoy wniósł flamandzką klarowność. Liczy się różnorodność: barok zawsze był rodziną rozwiązań, a nie jedną formułą.

Jak styl rozprzestrzenił się w Europie i Ameryce Łacińskiej

W ciągu dwóch pokoleń to samo słownictwo przystosowało się do bardzo różnych klimatów gustów i przekonań:

Na szczególną uwagę zasługują oddziały hiszpańskie i latynoamerykańskie: figury te nie były wykonane z białego kamienia, ale z malowanego drewna, często ubranego w prawdziwe tkaniny, a ich realizm służył raczej występom procesyjnym niż wystawie muzealnej. Innymi słowy, wykończenie zawsze było definiowane przez użytkowanie.

Materiały i techniki stojące za dramatem

Marmur: napięcie wyryte w kamieniu

Barokowa rzeźba w marmurze to kontrolowana walka ze słabością materiału, jaką jest napięcie. Kanały wiercone pozwalają na głęboki cień w fałdach draperii, a kontrast pomiędzy wypolerowaną skórą a szorstkim ząbkowanym kamieniem popycha figury do przodu, dzięki czemu pojedyncza figura może mieć kilka stopni wykończenia. Dla dzisiejszych nabywców lekcja jest praktyczna: głębokie podcięcie podnosi koszty i kruchość, dlatego należy określić, dokąd będzie płynąć wzrok, a nie wszędzie. Sposób, w jaki studia równoważą obecnie umiejętności rąk z nowoczesnymi metodami powiększania i replikacji, jest dokładnie tym, co odróżnia dokładną klasyczną figurę od sztywnej kopii, co wyjaśniono w tym spojrzeniu, jak marmurowe rzeźby ludzkie łączą tradycyjny kunszt z nowoczesną techniką.

Bogowie morza i bóstwa niesione przez wiatr pozostają naturalnymi przypadkami testowymi tej rzeźby, dlatego też wytężony Posejdon nadal brzmi jak barok, nawet na nowoczesnym dziedzińcu:

Marmurowa rzeźba człowieka z motywem Posejdona Ten odporny na warunki atmosferyczne posąg Posejdona, wysoki na około 1,8–2,5 m, z trójzębem i powiewającą draperią, pokazuje, dlaczego kompozycje boga morza z epoki brązu nadal postrzegane są jako barokowa siła na nowoczesnym dziedzińcu lub nad wodą. Zobacz produkt →

Brąz: dramat, który umożliwia odlewnia

Odlewanie wosku traconego uwolniło rzeźbiarzy od logiki strukturalnej kamienia. Cienkie unoszące się w powietrzu draperie, hodujące konie i całkowicie podcięte torsy, które roztrzaskałyby się w marmurze, są rutyną w brązie, dlatego tak wiele najbardziej ekstremalnych kompozycji tamtej epoki, przede wszystkim fontanny, zostało odlanych. Odlewanie dodaje etapy tworzenia form, ścigania i patyny, a każdy z nich jest bramą jakości. Jeśli rozważasz oba metale w ramach zamówienia, dobrym pomysłem jest rozpoczęcie przeglądu typów i technik rzeźb z brązu.

Sztukaterie, terakota i malowane drewno niosły ze sobą resztę tradycji, od bawarskich aniołów ze sklepienia po świętych z Quito, zawsze uzupełnionych pełnowymiarowym modelem zatwierdzonym przed dotknięciem ostatecznego materiału.

Zasady baroku we współczesnych projektach

Aby używać tego słownictwa, nie potrzeba budżetu papieskiego. Klienci, którzy najwięcej czerpią z prac wywodzących się z baroku, mają trzy nawyki:

1. Dopasowują materiał do oprawy. Brąz zyskuje na popularności na zewnątrz: wytrzymuje cykle zamrażania i rozmrażania, pozwala na tworzenie cienkich elementów dynamicznych i tworzy ochronną patynę. Marmur nagradza spokojne wnętrza, takie jak kościoły, mauzolea i ogrody kolumnadowe, w których można odczytać szczegóły z bliska.
2. Planują spacer. Naprawdę dramatyczną figurę zaprojektowano tak, aby można ją było okrążyć, więc linie wzroku, kąty oświetlenia i prześwit są równie ważne jak wysokość. Każda figura z unoszącą się w powietrzu draperią wymaga wewnętrznego wzmocnienia i odpowiednio zaprojektowanej podstawy, a nie tylko poziomej płyty.
3. Traktują wodę jako część kompozycji. Począwszy od Piazza Navona, przemieszczanie wody jest najpewniejszym sposobem na ożywienie kamienia, a dobór pompy, drenaż i wyłączenie na zimę powinny być projektowane podczas rzeźbienia, a nie dodawane później.

Rzeźbiona europejska fontanna z białego marmuru jest bezpośrednim spadkobiercą tej tradycji i pokazuje, jak prace figurowe, geometria basenu i hydraulika muszą zostać rozwiązane w ramach jednego zamówienia:

Europejska fontanna z białego marmuru Fontanna ta, wyrzeźbiona z jednego bloku białego marmuru i stojąca na wysokości 3,0–4,0 m, łączy w sobie figurę, geometrię basenu i płynącą wodę, kontynuując barokową tradycję zintegrowanego projektu rzeźbiarskiego. Zobacz produkt →

Kiedy przekazujesz informacje producentowi, naciskaj na punkty, na które elementy barokowe są najbardziej narażone: w jaki sposób wzmacniane są podcięcia i wsporniki, w jaki sposób model jest zatwierdzany przed rozpoczęciem rzeźbienia lub odlewania, jakie poziomy wykończenia otrzymasz, w jaki sposób elementy są dzielone i pakowane do wysyłki oraz kto zakotwicza i wyrównuje prace na miejscu. Warsztat, który odpowiada na te pytania rysunkami i odniesieniami, a nie przymiotnikami, jest w stanie stworzyć kompozycję zbudowaną na napięciu i utrzymać ją przez dziesięciolecia.

Rzeźba barokowa trwa, ponieważ rozwiązuje stały problem: jak ożywić bezwładny materiał dokładnie w momencie, gdy przyciąga się uwagę. Przekątne, biczowane draperie i stopione zespoły fontann i postaci były odpowiedziami zarówno inżynieryjnymi, jak i artystycznymi, dlatego tak łatwo przenoszą się do nowoczesnych projektów kościołów, ogrodów posiadłości i placów publicznych. Wybierz materiał na scenerię, zaplanuj ruchy widza i umieść wodę tam, gdzie jej miejsce w historii, a XVII wiek nadal będzie działał na Twój projekt tak samo ciężko, jak kiedyś w przypadku Rzymu.